viernes, 20 de noviembre de 2009

Música!


Cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.
Hoy vamos a hacer memoria para recordar tantos éxitos surgidos del Festival de San Remo.
El Festival de la Canción de San Remo comenzó en el año 1951. Se celebra anualmente en el Teatro Ariston de San Remo (originalmente la sede del festival era el Casino de San Remo), normalmente entre finales de febrero y comienzos de marzo. Con el transcurso de los años, ha cambiado a menudo su fórmula, pero básicamente se trata de una competencia en la que intérpretes de canciones originales e inéditas, compuestas por autores italianos, reciben votos por parte del jurado y del público. Además, el Festival ha servido de inspiración para otro evento musical que involucra a toda Europa: Eurovisión. En las primeras décadas, la temática del Festival era que cada canción fuera interpretada por dos cantantes o agrupaciones, cada uno utilizando su propio estilo y arreglos orquestales, centrando la idea de que se trataba de un concurso de compositores y no de intérpretes. Durante esos años era costumbre que una versión estuviera a cargo de un artista italiano y la otra fuera interpretada por un artista internacional. El Festival lanzó a la fama una gran cantidad de muy famosas y reconocidas voces de Italia, como: Andrea Bocelli, Giorgia, Mietta, Laura Pausini y Eros Ramazzotti. A partir de San Remo surgieron otros que nunca llegaron a opacar su brillo: Canzonissima, Cantagiri, Festivalbar y tantos más. Por otra parte, a lo largo de los años, San Remo se ha convertido en uno de los principales eventos mediáticos de la televisión italiana, que no para de producir debates y polémicas en todas sus ediciones. La próxima -2010- será la número 60!
Una mirada a esta música para el fin de semana...


Pablo Ramírez

viernes, 13 de noviembre de 2009

Música!


Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.
Hoy: Ray Charles.
Nacido el 23 de septiembre de 1930, este cantante y pianista de soul, R&B y jazz, de Georgia (EEUU), nació y se crió en Albany y perdió la vista durante su infancia a causa de un glaucoma. Fue autodidacta del piano pero también recibió clases de música en braille cuando era chico. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico cuando fallecieron sus padres.
A finales de los años '40, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias al hit: "Baby, Let Me Hold Your Hand".
Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición en los EE.UU., de poner letras religiosas a canciones populares. Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante en 1959 con su canción más popular: "What'd I Say". La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta aquel mismo año.
Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic que ahora lo llamaba El Genio. Grabó con muchas orquestas y muchos artistas de Jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country. Luego cambió de discográfica al mudarse a ABC Records. Allí, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción "Unchain My Heart" y el número 1 en los listados de Billboard, "Hit the Road, Jack". Ya en 1962, sorprendió a su nueva audiencia extranjera con el importante álbum: "Modern Sounds in Country and Western Music", que incluye los temas "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me". A éste le siguió una serie de éxitos, incluyendo "You Are My Sunshine", "Crying Time", "Busted" y "Unchain My Heart".
En 1961, Charles había cancelado un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Y en 1965 fue arrestado por posesión de heroína, droga a la que fue adicto durante 17 años. Aquel fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en Los Ángeles. Pasó un año en libertad condicional y siguió trabajando.
Después de 1970, Charles cristalizó lo que sería un éxito o su fracaso, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna otra música que fue desechada por tildarse como copia. Se concentró entonces en espectáculos en vivo, aunque su versión de "Georgia on My Mind", una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y de inmediato proclamada como la canción por excelencia de Georgia el 24 de abril de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado.
En 1980 Charles hizo una breve aparición en la película de los Blues Brothers. En 1986 colaboró con Billy Joel en "Baby Grand" para el álbum: "The Bridge" y también participó en U. S. A. for África junto a Michael Jackson y otros grandes del pop de los EE.UU. También apareció muchas veces en la célebre serie The Nanny, de gran éxito en Argentina.
Los años '80 y '90 acrecentaron la popularidad de Ray Charles en todo el mundo.
En 2004 Charles realizó un álbum de duetos: "Genius Loves Company", que tuvo varias nominaciones a los premios Grammy. Con ese trabajo ganó en las categorías Mejor Álbum del Año y Canción del Año por su dúo con Norah Jones: "Here We Go Again".
Ray Charles falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.
Ese mismo año 2004 se estrenó la película Ray que narra toda su vida. El film ganó 2 Oscars, incluyendo Mejor Actor y Mejor Banda Sonora y además, estuvo nominada a mejor película. Desde su muerte se han seguido editando recopilaciones e incluso se grabaron algunas canciones por el artista inéditas para el disco de la película. También se ha publicado su autobiografía titulada Brother Ray, que narra su vida de la manera más cercana a la realidad posible.
Entre todos los cantantes de R&B, Charles ha sido reconocido como el mejor cantante masculino y como la segunda mejor voz de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin.
Una mirada a esta música para el fin de semana...

Pablo Ramírez

sábado, 7 de noviembre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana. Hoy, recordamos la genialidad, el buen gusto y la inteligencia de esta excelente y prestigiosa agrupación argentina. Basta de adjetivos!

Les Luthiers: Origen y Trayectoria
A comienzos de los años 60, se desarrollaba en la Argentina una intensa actividad coral universitaria. Todos los años se realizaban festivales corales nacionales, cuya sede iba rotando entre distintas ciudades. Duraban una semana y representaban un importante acontecimiento cultural.
En 1965, el joven arquitecto Gerardo Masana, quien cantaba en el coro de la facultad de Ingeniería de la Universidad de Buenos Aires, compuso la Cantata Modatón, cuya letra estaba basada en el prospecto de un laxante.
La idea era estrenar esa obra en el encuentro que se realizaría ese año en la ciudad de Tucumán, como parte de las humoradas informales que solían hacer los estudiantes para amenizar el cierre de los festivales. Se trataba de divertir a la audiencia con la parodia de una cantata al estilo de Johann Sebastian Bach, interpretada por solistas, coro y una orquesta de exóticos instrumentos construidos por los mismos estudiantes.
La Cantata Modatón –que más adelante pasaría a llamarse Laxatón- reunió por primera vez en un escenario a cinco futuros integrantes de Les Luthiers: Marcos Mundstock, Daniel Rabinovich, Carlos Núñez Cortés, Jorge Maronna –de sólo 17 años- y Gerardo Masana, autor e impulsor del proyecto.
El éxito fue rotundo; nadie esperaba semejante despliegue de originalidad y talento en un festival amateur. La revista Confirmado publicó un artículo donde resaltó a la Cantata Laxatón como el hecho más destacado del festival.
Poco después, un periodista les ofreció contactarlos con el dueño de un teatro para realizar una serie de funciones. Pero para eso, necesitaban un nombre. Optaron por I Musicisti, parodiando al conjunto barroco italiano I Musici.
¿Música? Sí, claro, fue el título del primer espectáculo de I Musicisti, estrenado en 1966. El mismo fue decisivo para que, poco después, el grupo pudiera ser aceptado en la programación del célebre Instituto Di Tella, un centro cultural de vanguardia cuyas obras, llamadas a revolucionar las concepciones artísticas de la época, causaban una gran polémica.
El nuevo espectáculo se bautizó IMYLOH (I Musicisti y las óperas históricas). La repercusión fue notoria, tanto entre la crítica especializada como entre el público. Pero una serie de desacuerdos entre los integrantes del grupo, motivaron que en septiembre de 1967 Masana decidiera separarse, llevándose sus partituras y sus instrumentos. Inmediatamente se fueron con él Mundstock, Rabinovich y Maronna. Carlos Núñez Cortés se les sumaría un año y medio más tarde. (Haga un click aquí para leer la historia de I Musicisti tras la escisión).
Por sugerencia de Maronna, los “disidentes” adoptaron el nombre de Les Luthiers, y volvieron al Di Tella en noviembre de ese año, con el show Les Luthiers cuentan la ópera.
A fines de 1969 se sumó al grupo Carlos López Puccio. Les Luthiers adquirió así su conformación definitiva, que sólo se vería alterada por el paso de Ernesto Acher (quien se incorporó en 1971 y se retiró en 1986) y el fallecimiento de Masana, en noviembre de 1973 (con tan solo 36 años), producto de una enfermedad terminal.
Su desaparición fue un duro golpe para los luthiers. Hasta el día de hoy, en todos los programas de mano de los espectáculos del conjunto se lee: “Fundado por Gerardo Masana en 1967”.
Los años 70 fueron sumamente prolíficos para el conjunto: lanzaron cinco discos, presentaron diez espectáculos, y realizaron giras internacionales que los llevaron a Uruguay, Venezuela, España, México, Chile y Brasil, país en que presentaron un show traducido al portugués.
Los logros continuaron durante los años 80. Les Luthiers siguió sumando países a sus giras, tales como Colombia, Paraguay, Perú, Cuba, Israel y Ecuador.
En esta década el conjunto realizó además tres funciones inolvidables. La primera (1980) tuvo lugar en el Lincoln Center de Nueva York, con un espectáculo traducido al inglés.
La segunda –tal vez la más memorable- fue el 11 de agosto de 1986, día en que se presentaron en el Teatro Colón de Buenos Aires, uno de los grandes templos de la lírica mundial, lo que significó un importante reconocimiento a la trayectoria del grupo. Y dos años más tarde, el 26 de diciembre de 1988, con motivo de la celebración de los cinco años de la recuperación de la democracia en la Argentina, realizaron una actuación sobre un enorme escenario montado en las avenidas 9 de Julio y Libertador, ante más de 50.000 personas.
En 1995 asumió la representación del conjunto Lino Patalano, un reconocido productor artístico, manager de destacadas figuras, como el bailarín Julio Bocca y la actriz Norma Aleandro. Patalano dio un renovado impulso a la proyección internacional de Les Luthiers. Como consecuencia, el grupo intensificó sus giras por España y las principales capitales latinoamericanas.
El 21 de agosto de 2000 Les Luthiers volvió al Teatro Colón, con una función a beneficio del Collegium Musicum de Buenos Aires, acompañado por la Camerata Bariloche, con la que posteriormente presentaron otro espectáculo, El grosso concerto.
La abrumadora demanda de entradas de Les Luthiers en la Argentina hizo que en 2004, el conjunto buscara un lugar de mayores dimensiones para sus temporadas en Buenos Aires. Así, cambiaron al Teatro Coliseo, que fue su “sede” durante casi 30 años, por el Gran Rex, con capacidad para 3.300 espectadores (casi 1.500 más que el Coliseo). La reacción del público superó las expectativas: Ese año hicieron 43 funciones.
En enero de 2005, el grupo se presentó en el 45° Festival Nacional de Folclore de Cosquín, en la provincia argentina de Córdoba. Allí, 11.000 espectadores celebraron y aplaudieron el repertorio folclórico que Les Luthiers preparó para esa ocasión; fue otra función inolvidable para todos sus integrantes.
(info de la página oficial de les luthiers)
un poco de estos genios para el fin de semana...

Pablo Ramírez

viernes, 23 de octubre de 2009

Música!


Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar el fin de semana.

Y hoy, nos enfocamos en una época maravillosa para cuarentones, cincuentones, sesentones, etc. pero además para todos aquellos "menores" que la ligaron de rebote porque estas canciones han permanecido inalterables al paso de los años.

Si, nos referimos a aquellos artistas y temas que acompañaron nuestra adolescencia y más, a través de su música bonachona, inocente, divertida... Ésas canciones reflejaban nuestras ganas de vivir a toda velocidad (pero con el cinturón de seguridad puesto, eh!). Éramos medio bobos, no? Es que había mucho más respeto por cosas que ahora ni siquiera se les pasa por la cabeza a nuestros chicos. Tal vez pensando un poco mejor uno pueda reconocer que esa falta de límites de hoy... también es culpa nuestra! Bueh, daría para un debate largo.

Pero tenemos todo el fin de semana para sentirnos cada uno Isidoro o Cachorra en Mau Mau disfrutando una vida sin problemas, sin culpas, sin horarios, sin más responsabilidad que volver a casa a una hora "decente" y saber que ante cualquier peligro, papá y mamá resuelven todo!

Quién pudiera volver a aquellas camisas floreadas, vaqueros pata de elefante. cinturones anchísimos, colgantes de todo tipo y para ellas: minishorts, capelinas, largas botas blancas o esas plataformas de corcho que se subían por escalera... ja ja. A su tiempo la moda reinventará todo otra vez.

Un poco de esa música para el fin de semana:

1- Rubén Mattos (Salta Pequeña Langosta - Que La Dejen Ir Al Baile Sola)

2- Los Iracundos (Puerto Montt - Va Cayendo Una Lágrima)

3- La Joven Guardia (Comprador de Amaneceres - El Extraño del Pelo Largo)

4- El Club Del Clan (Todo: Palito, Violeta, Lalo Fransen, Jolly Land, Johnny Tedesco, Nicky Jones)

5- Sergio Denis (Te llamo Para Despedirme - Cada Vez Que Sale El Sol)

6- Banana (Negra, No Te Vayas De Mi Lado - Conociéndote)

7- Industria Nacional (Un Día de Paseo en Santa Fe - La Tarde Que Te Amé)

8- Salvatore Adamo (Mis Manos En Tu Cintura - Un Mechón De Tus Cabellos)

Y mucho más, por supuesto... Raphael, Sandro, Rita Pavone, Peret, etc, etc, etc.


Pablo Ramírez

viernes, 16 de octubre de 2009

Música!


Pet Shop Boys ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Desde 1986, 40 de sus singles han alcanzado el Top 20 y 22 el Top 10 en Inglaterra y está considerado como el mejor dúo en toda la historia de la musica Pop, no sólo por los éxitos obtenidos tanto en ventas y puestos en los charts de mayor prestigio del mundo sino también por su alto nivel compositivo y vanguardista en cada uno de sus discos y presentaciones en vivo. Los Pet Shop Boys, no solamente componen para sí mismos, sino que colaboran frecuentemente con otros artistas tanto en la producción, composición y remezcla de temas. Una de las características mas elocuentes con la que se los puede identificar es la imagen que han sabido mantener por años y que han ido renovando a través del tiempo. Si bien en las primeras presentaciones no poseían un look muy definido, cuando empezaron a adquirir fama internacional y mayor protagonismo en la televisión, el dúo adoptó una imagen más acorde a sus personalidades individuales: Neil Tennant siempre vestido de manera elegante y sobria, mientras que su compañero Chris Lowe usando atuendos a la moda casual, con su eterna gorra de béisbol y anteojos de sol. Ya con la decisión tomada de los roles que cada uno de los integrantes iba a cumplir en Pet Shop Boys, Neil Tennant se colocó al frente mientras que Lowe se ponía en un segundo plano, mas silencioso y pasando casi desapercibido. Desde los primeros años en los cuales Pet Shop Boys adquirió notoriedad mundial, comenzaron a colaborar con prestigiosos artistas ya consagrados como es el caso de Liza Minelli, Dusty Springfield, Boy George, Blur, Suede, Kylie Minogue, Robbie Williams, David Bowie, The Killers, Yoko Ono, Madonna, Tina Turner.
Una mirada a esta música en el fin de semana...
Pablo Ramírez

viernes, 9 de octubre de 2009

Música!


John Lennon, uno de los más famosos músicos y compositores de música pop y rock del siglo XX, tanto en los años 60, al frente del grupo The Beatles -probablemente el más influyente de la historia de la música popular- como en los setenta, ya en solitario. El 22 de abril de 1969 añadió el apellido de su esposa Yōko Ono al suyo, llamándose John Winston Ono Lennon. Con The Beatles, Lennon cantaba y tocaba principalmente la guitarra rítmica, la armónica y el piano, además de otros instrumentos de teclado y, por ejemplo, el banjo, y firmó además la mayor parte del material junto a su compañero Paul McCartney, aunque en realidad en la mayoría de los casos trabajaron por separado. Muchas de estas composiciones, dada la repercusión mundial del grupo, se han convertido en algunas de las melodías más conocidas del siglo XX. Lo mismo puede decirse de las canciones de su etapa solista, entre ellas: "Imagine", convertida desde el principio en un himno pacifista conocido en todo el mundo.

John Winston Lennon nació en Liverpool, Inglaterra, el 9 de octubre de 1940 (hoy cumpliría 69 años), durante un bombardeo nazi. De ahí que, en un gesto de patriotismo, sus padres le impusieran como segundo nombre el del Primer Ministro británico en ese momento, Winston Churchill. Su padre, Alfred Lennon, abandonó a su mujer, Julia Stanley, y a su hijo recién nacido, enrolándose en un mercante con destino a Estados Unidos para evitar ser movilizado por el ejército británico y enviado a la guerra. Tras cumplir John los cinco años sin que su padre diese señales de vida, su madre volvió a casarse con un hombre que no deseaba criar a un hijo del anterior matrimonio de su esposa, por lo que Julia dejó a John al cuidado de su hermana Mimi y del marido de ésta, George Smith, de quien John recordaría que le enseñó a resolver crucigramas y le compró una armónica. No obstante, Julia no abandonó nunca a su hijo, a quien visitaba frecuentemente en casa de la "tía Mimi", y de hecho fue su madre quien le inculcó a Lennon el gusto por la música e, incluso, le enseñó a tocar algún instrumento. El enorme amor que John siempre tuvo por su madre compitió muy de cerca con el que tuvo por su tía Mimi, que lo había criado: años después, cuando fue nombrado Miembro del Imperio Británico junto con los otros tres miembros del grupo, John regaló la condecoración a su tía, quien la tuvo en su propiedad con gran orgullo (colgada en la pared, sobre el televisor) hasta su muerte. Cuando John tenía diecisiete años, su madre murió en un accidente de tránsito, atropellada por un policía ebrio. Este hecho causó en Lennon un trauma del que nunca llegó a recuperarse, que reflejaría por ejemplo en dos de sus composiciones, "Julia" (1968) y "Mother" (1970), en la que entremezcla el dolor por la pérdida de su madre cuando más la necesitaba y el abandono por parte de su padre. De éste no volvería a saber hasta que, habiendo alcanzado ya fama mundial con The Beatles, reapareció en su vida cuando trabajaba de camarero en un hotel. John aceptó el reencuentro con alegría y se ocupó de él económicamente hasta su fallecimiento (en la citada "Mother", Lennon canta "Father, you left me, but I never left you…", "Padre, tú me abandonaste, pero yo nunca te abandoné a ti...").

Durante su juventud, Lennon asistió a la escuela de Bellas Artes de su ciudad y allí conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo se convertiría en su primera esposa. Interesado desde su infancia en la música, antes de formar The Beatles participó en otras bandas, como The Quarry Men, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles, en las que estuvo acompañado por amigos de su escuela, entre ellos Stuart Sutcliffe. En 1957, durante una actuación en una fiesta, un amigo común de John y Paul McCartney, Ivan Vaughan, los presentó. John invitó a Paul a unirse al grupo porque sabía tocar la guitarra y, además, afinarla, lo que llamó su atención. Más tarde entraron en la banda George Harrison, propuesto por McCartney, y, ante la necesidad de tener un baterista propio, Pete Best, que además era hijo de la propietaria del club "The Casbah" y por tanto aportaba una seguridad en la continuidad de sus actuaciones. Posteriormente, tras una prueba en la compañía discográfica Parlophone el productor artístico, George Martin, les sugirió un cambio en el baterista y los tres miembros fundadores tomaron la decisión de convocar a Ringo Starr, por entonces baterista del grupo Rory Storm and the Hurricanes. El nombre del grupo evolucionó de John & The Silver Beetles a John Silver & The Beatles y posteriormente al nombre con el que pasarían a la historia. John fue quien ideó el nombre "The Beatles", uniendo el anterior de "Beetles" (escarabajos) con la palabra inglesa beat ("ritmo"), por el género que tocaban entonces, la música beat.

En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer tema: "Love me do", y en agosto de ese mismo año John se casó con Cynthia, con la que tendría su primer hijo, Julian, que también se dedicaría a la música. En 1963 el grupo grabó su primer elepé: "Please Please Me". Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco: "With The Beatles". A partir de ese momento la fama del grupo no hizo sino crecer, transformándose en un fenómeno de masas a nivel mundial, con una enorme influencia no sólo en la música popular sino también en el comportamiento de la juventud.

En 1966 se produjo un hecho que evidencia la personalidad rebelde y combativa de Lennon, al afirmar en una entrevista «The Beatles son más populares que Jesucristo». La frase, difundida rápidamente por la prensa, creó un gran escándalo e incluso algunos fans en Estados Unidos llegaron a quemar sus discos del grupo en público. John alegó posteriormente que había sido malinterpretado y explicó: «No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa». Ese mismo año, John conoció a la artista plástica japonesa Yoko Ono mientras visitaba una exposición suya en Nueva York. Yoko se convertiría en el gran amor de su vida y ambos contraerían matrimonio, en Gibraltar, en 1969, tras haberse divorciado de Cynthia. Yoko le indujo a experimentar con nuevos tipos de música e influyó definitivamente en la personalidad de Lennon, que cambió su modo de pensar y actuar. Muchos fans consideran a Yoko la causante de la enemistad entre John y Paul, una de las causas que dio lugar a la ruptura del grupo en 1970. Durante ese mismo 1966, Lennon residió durante mes y medio en Almería (España), durante el rodaje de la película How I won the war de Richard Lester, con quien ya había trabajado en el rodaje de la primera película de The Beatles, A Hard Day's Night. En esta película Lennon apareció públicamente por primera vez con anteojos, ya que hasta entonces se había intentado ocultar a sus fans su necesidad de usarlos. Desde ese momento, sus características gafas redondas se convertirían en una de sus señas de identidad. El 11 de diciembre de 1968 Lennon actuó por primera vez en público sin sus compañeros durante la grabación del especial de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus. Lo hizo al frente de The Dirty Mac, una banda efímera creada única y especialmente para la ocasión y en la que también participaron Eric Clapton, Keith Richards y Mitch Mitchell. En 1969 se produjo la disolución práctica del grupo, para el que Lennon firmó en compañía de McCartney la mayoría de los temas, aunque en realidad la participación de cada uno en los temas del otro fue cada vez menor. Aunque existen numerosos estudios y libros publicados sobre el tema, es difícil saber hasta qué punto se producía esa participación de cada uno en los temas del otro, existiendo por ejemplo canciones que se sabe compuestas exclusivamente por uno de ellos pero que no obstante también firmaron como Lennon y McCartney. De hecho, años después, McCartney comenzó a acreditar algunas de esas canciones, de su autoría, a McCartney y Lennon.

En 1970, tras disolverse oficialmente The Beatles, Lennon, con una cada vez mayor influencia en la juventud de todo el mundo por sus opiniones políticas y su compromiso pacifista y antibelicista, comenzó su carrera solista que con el tiempo incluiría otras nuevas canciones que se convertirían igualmente en clásicos. No obstante, sus primeros trabajos fuera del grupo fueron tres álbumes experimentales grabados en compañía de Yoko que tendrían una mínima repercusión comercial: "Unfinished Music No.1: Two Virgins", "Unfinished Music No.2: Life with the Lions" y "Wedding Album", el primero grabado en 1968 y los otros dos en 1969, año en que también se editaría el disco en vivo: "Live Peace in Toronto 1969" a cargo del grupo conceptual The Plastic Ono Band, en el que, además de Lennon y Ono, participaban otros músicos que variaban para cada ocasión y bajo cuyo nombre la pareja editaría sus futuros álbumes.

En 1970 sale a la venta John Lennon/Plastic Ono Band, realmente el primer álbum de estudio de Lennon, con temas como "Mother", "Working class hero", que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon y "God", toda una declaración de principios en la que llega a renegar del grupo que le diera fama mundial. En 1971 publica un nuevo disco: "Imagine", que contiene la que sin duda es su canción más famosa, el himno pacifista «Imagine». Aunque ya se había hecho patente en algunas de sus primeras composiciones en solitario la rivalidad que arrastraba con McCartney desde los tiempos de The Beatles, en las primeras ediciones de este trabajo esto se hizo evidente, ya que en la portada aparecía una fotografía de Lennon sujetando un cerdo, un supuesto insulto hacia McCartney. De hecho, la imagen parodiaba la portada del álbum Ram de McCartney, en la que éste sujetaba un carnero; en dicho álbum de McCartney, la canción "Too Many People" era una burla John Lennon. En otro tema del disco, "How do you sleep?" ("¿Cómo puedes dormir?"), también hay claros ataques a su ex compañero. Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época de The Beatles, pero se exacerbaron por ejemplo con canciones como "Power to the people", editada en un sencillo también en 1971. De hecho, cuando en esa época el músico decidió mudarse de Londres a Nueva York, tuvo problemas para tramitar el visado debido a las reticencias del gobierno de Estados Unidos por su actitud pacifista y su influencia sobre la juventud, así como por su presunta contribución económica al grupo liberacionista y antirracista de los Panteras Negras. Finalmente consiguió instalarse en la ciudad, desde donde iniciaría varias campañas muy politizadas con conciertos y manifestaciones a favor de la paz y que le valdrían el título de "Persona non grata" en la ciudad.

En sus discos siguientes, Some Time in New York City (1972), Mind Games (1973), Walls and Bridges (1974) y Rock 'n' Roll (1975), mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y amigos como George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John o David Bowie.

En 1973 y por espacio de 18 meses, Lennon y Ono se separaron brevemente por problemas maritales. Ese período, que el propio Lennon llamó “The Lost Weekend” (“Fin de semana perdido”), consistió en una relación sentimental que el músico sostuvo con su asistente personal, May Pang. Curiosamente, la iniciativa del amorío provino de la propia Yoko Ono. Durante este lapso Lennon grabó los discos “Mind Games”, “Walls and Bridges” y “Rock ´n Roll” antes de regresar definitivamente a su antigua relación sentimental. Coincidentemente, fue el período de mayor acercamiento con su primer hijo Julian y la última vez en la que grabaron de nuevo Lennon y Paul McCartney fuera de The Beatles. Esta cita ocurrió en 1974, en California.

En 1975 cuando la pareja Lennon-Ono se reconcilió, y después de un aborto, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, bautizado como Sean Taro Ono Lennon. A partir de entonces, mientras su esposa se encargaba del aspecto financiero del matrimonio, Lennon se ocupó de la educación y cuidado de su hijo, abandonando su carrera musical activa. No obstante, y pese a que al regresar al mundo profesional de la música cinco años después declararía que durante todo este tiempo había abandonado la música (en una entrevista afirmó que había tenido la guitarra colgada de la pared sin usarla), en realidad esos años no fueron de total inactividad musical, pues siguió componiendo canciones y grabando demos caseros de las melodías y letras que iba escribiendo. En 1980, cinco años después de su último trabajo, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: "Double Fantasy", que se abría con el tema "(Just like) starting over". Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum inmediatamente: "Milk and Honey". Sin embargo, el trabajo y la vida de Lennon se verían interrumpidos por su asesinato el 8 de diciembre de ese año, mientras volvía paseando a su apartamento del Edificio Dakota, acompañado de Yoko, tras una sesión de grabación.

Terminaba así la vida de uno de los músicos más influyentes de la música popular del siglo XX, elevado por sus seguidores a la categoría de mito, y al que en años posteriores se homenajeó en cientos de tributos, como por ejemplo sendos conciertos en Liverpool y Nueva York ante, respectivamente, 40.000 y 120.000 personas. En el año 2000 su ciudad natal, Liverpool, decidió cambiar el nombre de su aeropuerto, que desde entonces se denomina Aeropuerto John Lennon. Un claro ejemplo de la preocupación por la influencia que el músico podría tener en la juventud por sus ideas pacifistas y especialmente por su oposición a la Guerra de Vietnam, es el seguimiento personal del músico que hizo el FBI durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos. En 2006 dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vio obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972. En octubre de 2007 fue inaugurado un monumento en la Isla de Videy (Islandia) llamado Imagine Peace Tower, obra de Yoko Ono quien estuvo acompañada para la ocasión por su hijo Sean, Ringo Starr y Olivia Harrison, viuda de George Harrison.

(fuente: wikipedia)

Una mirada a esta música para el fin de semana largo...


Pablo Ramírez

viernes, 2 de octubre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Stevie Wonder.

Stevland Judkins nació prematuramente el 13 de Mayo de 1950, en Michigan, EE.UU., lo que le provocó la ceguera por el tiempo transcurrido en la incubadora. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.
Stevie Wonder es un notable cantante, compositor, productor discográfico, multiinstrumentista y activista social de su país. Recibió hasta el presente, 24 premios Grammy -récord para un artista en actividad- y pertenece al Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.
Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas internacionales con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos que fueron aclamados por la crítica y el público así como también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y todo tipo de teclados.
En 1962, a los 11 años, llegó al sello Motown de la mano de Ronnie White, uno de los componentes del archifamoso grupo The Miracles y Berry Gordy, presidente de la discográfica, lo contrató inmediatamente, Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo. A los trece años de edad, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público, demostrando que de «pequeño» no tenía nada.
Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en estar en desacuerdo con los métodos tradicionales de trabajo en las discográficas, es decir, artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre esto varias veces, sin llegar a ningún acuerdo por lo que Wonder dejó que su contrato expirara, abandonando Motown el día de su cumpleaños número 21, en 1971.
En los '70s, Stevie fue el primer artista en la historia en hacerse cargo de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglos. La década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por sus álbumes: Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.
Wonder recibe los ochenta a ritmo de reggae con el hit "Master Blaster", en homenaje a Bob Marley, lo que le abre mercado a una audiencia más amplia. Además, realiza colaboraciones importantes como "Ebony and Ivory", junto a Paul McCartney y "Just good friends", junto a Michael Jackson, "That's What Friends Are For", con Dionne Warwick, Elton John y Gladys Knight, y recibe un nuevo Grammy por "We are the World". En 1984 lanza "The woman in Red", para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Oscar por la canción "I just call to say I love you". Más recientemente, en 2007, realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continuó al año siguiente por Europa, Canadá y Australia. Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Una mirada a esta música para el fin de semana…
Pablo Ramírez

viernes, 18 de septiembre de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Fabiana Cantilo.
Nació en Capital, el 3 de marzo de 1959. Hija de Gabriel Cantilo y Silvina Luro Pueyrredón. Es sobrina de César "Banana" Pueyrredón y prima de Patricia Bullrich. Comparte el apellido con los cantantes Miguel Cantilo y María José Cantilo aunque sin parentesco directo con ellos.
Comenzó a hacerse conocida a través de las Bay-Biscuits, un grupo de rock-teatral que participaba en los shows de músicos de primer nivel como, por ejemplo, Serú Girán. Es así que conoce a Charly García que a su vez la vincula al grupo Los Twist de Pipo Cipolatti.
Al mismo tiempo, trabaja como coro de Charly García y asi conoce a Fito Páez, quien sería su pareja por varios años. Luego, se desvincula de Los Twist y en 1985 graba su primer disco solista: "Detectives".
En 1990 compuso con Charly García el tema: "Siempre puedes olvidar", incluído en el álbum: "Filosofía barata y zapatos de goma". Su trabajo más exitoso fue el disco: "Algo Mejor", editado en 1991. Con mayoría de temas compuestos por Fito Páez, ese trabajo tuvo amplia repercusión gracias a la canción: "Mi enfermedad", de Andrés Calamaro.
Su carrera continuó como vocalista invitada en los conciertos de García, Los Twist y Páez y hasta como telonera de Roxette, cuando el dúo sueco se presentó en Vélez. Después editó: "Información Celeste", doce temas que demuestran su crecimiento tanto personal como profesional. Su siguiente trabajo fue: "Inconsciente Colectivo", que recibió un Premio Gardel y fue nominado para el Grammy Latino, y que reúne grandes temas, cantados junto a dúo junto a Fito Páez, Daniela Herrero, Gustavo Cerati e Hilda Lizarazu. Este álbum de 2005 es un homenaje al rock argentino e incluye canciones de Spinetta, Divididos, Suéter, Charly García, Fito Páez, Los Redonditos de Ricota y Calamaro.
En el 2007 editó su CD solista: "Hija del Rigor". El 2008 fue un año ambivalente para la cantante, por un lado: "Hija del Rigor" le valió el reconocimiento de la crítica como uno de los mejores trabajos del rock argentino a cargo de una solista femenina y por el otro, cuestiones personales hicieron que deba ser internada en una clínica siquiátrica. Una vez dada de alta volvió a los escenarios con shows en la Trastienda y el ND Ateneo. Actualmente está preparando su nuevo trabajo discográfico titulado "En la vereda del sol", una continuidad de su exitoso "Inconsciente Colectivo".

Una mirada a esta música para el fin de semana…

(Gracias amigos de internet por la data)
Pablo Ramírez

viernes, 11 de septiembre de 2009

QUE MAESTRO!!!!

Los árabes, además del alfabeto, nos legaron los cuentos sufís.

No se trata de simples relatos contadas con gracia y moraleja.

Son una vía para el conocimiento, son metáforas a través de historias que tiene siempre como protagonista, al mulláh NASRUDIN. Mulláh en árabe significa maestro.-

Ahora les voy a contar una historia del maestro NASRUDIN.-

La esposa del mullah estaba molesta por las carencias económicas que sufrían.

Pensaba que si en vez de haberse casado con un religioso hubiera optado por un comerciante no sufriría privaciones.

Encaró al mullah y le dijo:

¿Cuándo DIOS te va a pagar por toda la propaganda que le hacés=

No sé si debería pagarme –respondió el mullah. Pero voy a intentarlo.-

Acto seguido, fue hasta la puerta de su casa y mirando hacia el horizonte del desierto, clavó las rodillas contra el piso y preguntó:

DIOS NO ME DEBERÍAS DAR UNA RECOMPENSA POR TANTO ESFUERZO?.-

Un avaro, que envidiaba la sabiduría del mullah, para burlarse, tomó un saco lleno de monedas de oro y lo dejó caer desde la azotea.-

Cuando Nasrudín se topó con la sorpresa, se persignó y dijo GRACIAS, MI ESPOSA NO LO VA A PODER CREER.-

La esposa se desmayó y minutos después todo el pueblo se arrodillaba ante el mullah por el milagro.-

El avaro decidió aguar la fiesta y ante la multitud exclamó:;

ES UN FARSANTE. EL DINERO ES MÍO. LO ARROJÉ DESDE LA AZOTEA PARA QUE ESTE INFELIZ SE CREA POR UN INSTANTE UN ELEGIDO DEL SEÑOR.-

El mullah, un hombre de recursos le dijo: TU HAS SIDO SIMPLEMENTE EL INSTRUMENTO DE DIOS PARA CUMPLIR SU DECISIÓN. ESTE DINERO ES MÍO.-

El avaro gritó: ESTAFADOR! Vayamos frente a un JUEZ para ver si cree tu estúpida historia.-

El mullah aceptó el desafío. Pero unas cuadras antes del Juzgado dijo: OYE LA JUSTICIA ES MUY PREJUICIOSA, CÓMO VAN A CREER QUE UN HOMBRE COMO YO QUE VISTE HARAPOS PUEDA TENER UNA FORTUNA. SE GUIAN SOLO POR LAS APARIENCIAS.-

El avaro respondió: PONTE TU MI ROPA. YO VESTIRÉ HUMILDEMENTE. IGUAL ME DARÁN LA RAZÓN. LA JUSTICIA ES CIEGA.-

Se cambiaron las ropas. El mullah sorprendía en las calles con un traje azul de hilo egipcio. El avaro daba pena con los pantalones remendados.-

Antes de ingresar al Juzgado el mullah se detuvo y dijo: TU VAS EN CABALLO. YO A PIE. COMO VA A CREER EL JUEZ A UN HOMBRE QUE CAMINA COMO LO HACEN LOS POBRES. LA JUSTICIA ES PREJUICIOSA.-

El avaro inmediatamente descendió de su caballo y se lo entregó al mullah. Así ingresaron al Tribunal.-

SE DECLARA ABIERTO EL JUICIO CONTRA NASRUDIN expresó el magistrado.-

EN FORMA INQUISIDORA EL JUEZ LE DIJO AL MULLÁH: Este hombre te acusa de fraude. Dice que esas monedas de oro le pertenecen…¿Qué PUEDES DECIR EN TU DESCARGO?

El Mulláh abrió sus brazos de manera monacal. Y dirigiéndose más al público que al juez dijo:

ESTE HOMBRE DELIRA, CREE QUE TODO LE PERTENECE.-

PREGUNTELE SEÑOR MAGISTRADO SI SABE DE QUIEN SON LAS ROPAS QUE TENGO PUESTAS….

MÍAS GRITO EL DEMANDANTE.-

PREGÚNTELE AHORA SI SABE DE QUIEN ES ESTE CABALLO.-

MÍO GRITO EL ACUSADOR.-

EL JUEZ SIN DUDARLO, CON SU MANO DERECHA DIO UN GOLPE DE MARTILLO QUE HIZO TAMBALEAR AL ESCRITORIO
Y EXCLAMÓ:

CASO CERRADO. El ORO ES TUYO MULLÁH.-


ROSARIO LUFRANO

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos artistas que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los identifica. Hoy: Elton John.
Sir Elton Hercules John CBE (Caballero del Imperio Británico) nació en Londres, el 25 de marzo de 1947. Cantante, compositor y pianista, su nombre completo y verdadero es: Reginald Kenneth Dwight.
A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha superado los 200 millones de discos vendidos y ha colocado más de 50 canciones en los charts del mundo, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. Fue educado en la Royal Academy of Music gracias a una beca que consiguió a la edad de 11 años y que abandonó seis años después para dedicarse al rock. A partir de 1964 -tenía 17 años- comenzó a colaborar en el grupo Bluesology, donde conoció al cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John.
A finales de los sesenta, Elton conoció al letrista y poeta Bernie Taupin. Juntos obtuvieron su primer gran éxito en 1970 con el tema: "Your Song". En 1971, logró colocar simultáneamente cuatro de sus discos entre los diez primeros en los charts de Estados Unidos, algo que no ocurría desde los Beatles. También en ese mismo año Elton empezó a desarrollar una galopante alopecia que le conduciría años después al uso de peluca.
Durante los años ’70 llegó su consagración como una auténtica estrella. Comenzó a actuar vestido con extravagantes disfraces y otros adornos característicos del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios. En esa época tuvo grandes éxitos como Crocodile Rock (1972), Candle In The Wind (1973), Bennie And The Jets (1973) y Don’t Let The Sun Go Down On Me (1974). Entre 1972 y 1975, siete de sus discos llegaron a los primeros puestos de las listas de ventas británicas.
En 1975 participó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Por aquella época escandalizo a la opinión pública con declaraciones sobre su homosexualidad. Al entrar en los ’80, dejó de lado temporalmente su relación con Taupin además de moderar su imagen y su música, haciéndola más melódica. Produjo nuevos éxitos como “I'm Still Standing” y Little Jeannie pero ya con menos frecuencia, y su vida privada vivió también algunos problemas.
Ya en los '90 le afectó profundamente la muerte por SIDA de un amigo suyo que sufría de hemofilia, Ryan White. Tras el funeral confirmó estar él mismo en tratamiento para superar su adicción al alcohol, las drogas y la bulimia. En 1992 fundó la Elton John AIDS Foundation, una de las mayores organizaciones no lucrativas para la erradicación del sida, a la que decidió destinar todos los beneficios de sus singles. Un Elton John renovado y más sobrio obtuvo un nuevo éxito en 1994 con su participación en la banda sonora de la pelísucla de los estudios Disney: "El Rey León" en colaboración con Tim Rice. Gracias a su participación en ese film ganó un Grammy y un Oscar.
El asesinato de su amigo Gianni Versace y la muerte en un accidente de tránsito de su también amiga Diana de Gales supusieron para Elton un fuerte golpe en 1997. Obtuvo un rotundo éxito con su homenaje a la princesa Diana, con una nueva versión del tema: "Candle in the Wind", que batió todos los récords y resultó ser el single más vendido en la historia de la música. Al año siguiente, 1998, fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico y después recibió un Grammy honorífico por su trayectoria musical.
En diciembre de 2005, Elton John formalizó su relación con su pareja de más de 12 años, el director de cine canadiense David Furnish, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles homosexuales. El certificado de boda revela un detalle inédito: el popular artista se llama realmente Hércules, además de Reginald Kenneth Dwight. Entre otros detalles, indica que Elton John se presentó como "músico", mientras que su pareja dijo ser "realizador de cine". Además, el famoso cantante declaró en los documentos del registro que en el año 1984 estuvo casado con Renate Blauel, ingeniera de sonido alemana, de la que se separó poco después del enlace.
En 2007, año en que festejó sus 60 años de vida y 40 de carrera artística, ocupó el sexto lugar entre los "Personajes Artísticos de Influencia Mundial", de la revista Forbes. Aquel mismo año, se editó un DVD Especial con su aparición en vivo en el New York Madison Square Garden (realizada el 25 de marzo, fecha de su cumpleaños).
Actualmente se encuentra de gira con su último disco y en recientes declaraciones durante uno de sus conciertos en Las Vegas (donde desarrolla el espectáculo: "The Red Piano") dejó entrever que no va a publicar más discos utilizando el nombre de Elton John.
John no tiene hijos pero sí, 10 ahijados. Entre ellos: Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon y Yoko Ono; el hijo de la modelo y actríz Elizabeth Hurley, Damian Charles; los de David Beckham y Victoria Adams, Brooklyn y Romeo y la hija de Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.
Dentro del mundo de la música, Elton es conocido como "Sharon", un sobrenombre que le puso su buen amigo Rod Stewart. A cambio, John suele llamar a Rod como "Phyllis".

Una mirada a esta música para el fin de semana…
Pablo Ramírez

lunes, 7 de septiembre de 2009

NO TODOS LOS HOMBRES TIENEN PRECIO

Groucho Marx sostenía que sólo hay una forma de saber si un hombre es honesto: preguntárselo. Y si responde "sí", entonces sabes que está corrupto.

Una encuesta publicada ayer sostiene que el 44 por ciento de los argentinos aceptaría participar en un acto de corrupción.-

Un estudio realizado en Francia, en la década del 70 demostró que el 50 % de las personas –si creyera en la legitimidad y obligatoriedad de la orden- aceptaría aplicar tormentos a sus semejantes.-

La historia de la humanidad demuestra que casi todos los pueblos vivieron etapas de profunda corrupción y de desprecio por la vida humana.-

El hombre, parece un sujeto menos bueno y leal de lo que se cree. Se insiste en intentar creer en que somos mejores. Hasta se muere en ese intento. Salvador Allende, minutos antes de quitarse la vida en el palacio de la Moneda dijo: Estas son mis últimas palabras y tengo la certeza de que mi sacrificio no será en vano, tengo la certeza de que por lo menos será una lección moral que castigará la felonía, la cobardía y la traición.

Napoleón Bonaparte inmortalizó la frase: “todo hombre tiene su precio”.-

En la filosofía china, un cuento que ha de tener más de 3.000 años, pone en escena la posibilidad de que un hombre tenga su precio.

Se narra que en un pueblo había un hombre muy rico –YE WANG- a quien todos le rendían pleitesía. Todos los habitantes se desvivían por quedar bien con él, en la esperanza de recibir alguna vez sus favores.-

Todo el pueblo actuaba con reverencia. Todo el pueblo, menos uno. El más pobre de todos –YIN BAO- ni siquiera lo saludaba. Es más, si se cruzaban en la calle, o en el templo, YIN BAO daba vuelta su cara o se cruzaba para evitarlo.-

Al rico YE WANG no le alcanzaba con que la inmensa mayoría lo idolatrase, no soportaba la indiferencia del hombre pobre.

Tanto sufría por esa actitud distante que un día, decidió ir a la choza de YIN BAO.-

El hombre humilde se hizo esperar. El rico, no se inmutó. Necesitaba quebrar la indiferencia de YIN BAO.-

Finalmente, se sentaron sobre unos almohadones deshilachados, y comenzó este dialogo:

¿Se puede saber porqué no me saludas ni me rindes culto como todos los demás?.
YIN BAO respondió:

¿Porqué habría de reverenciarte si de ti no recibo nada?

YE WANG, se sintió satisfecho. Tenía la certeza de estar en el camino correcto.-

Entonces, en esa convicción le dijo: Tienes razón. Cambiaré las cosas. Mañana tendrás novedades.

YIN BAO no respondió con gesto alguno el saludo entusiasmado de WANG quien antes de retirarse, agachó su cabeza dos o tres veces.-

El hombre rico, fue al día siguiente a una escribanía y donó al hombre pobre el 20 por ciento de su fortuna. Esperó que el escribano notificara al beneficiario.-

A la semana, al cruzar la plaza, WANG vió que YIN BAO compraba frutas en el mercado que cargaba en un carruaje con chofer.

Se apresuró, con ansiedad adolescente, fue al encuentro del entonces hombre pobre. Se puso frente a él.

YIN BAO, con indisimulada indiferencia giró su vista hacia el carruaje para evitar los ojos de WANG, quien no podía entender cómo este hombre no le agradecía su acto de beneficencia.-

No permitió siquiera que subiera al coche. Lo detuvo casi con violencia para inmediatamente preguntarle: ¿No me debes unas palabras de gratitud?. Te dí el 20 por ciento de mi fortuna.-

YIN BAO le dijo casi con odio en la mirada: ¡Miserable…te quedaste con el ochenta y aún pretendes que te agradezca. Córrete de mi vista!

WANG quedó desorientado. Cuando el carruaje se alejó, dejó caer pesadamente su cuerpo y lloró. Al día siguiente, donó ante el escribano un 30 % más de su patrimonio. Tenía la certeza de que ahora YIN BAO sí sería agradecido.-

Pocos días después, WANG cumplía 60 años. SE sintió desconsolado al advertir que YIN BAO no había concurrido a su palacio y que tampoco le había enviado regalos.-

Furioso fue hasta la choza de YIN BAO pero allí ahora había solamente un cartel que decía: “Casa natal del hombre que de un día para otro logró tener una fortuna, sin esfuerzos”.-

WANG buscó por todas partes a su beneficiario hasta que dio con él en una de las residencias más lujosas de la villa. Al verlo gritó: Felicitaciones millonario!.

YIN BAO respondió con un silencio cruel para las aspiraciones de WANG, quien le preguntó: No vas a agradecerme ahora?

Porqué habría de hacerlo? Cual es tu generosidad si a los 60 años con lo que te quedaste de dinero tendrás para disfrutar hasta el último de tus días?. Me pides que agradezca un acto que no te genera ninguna clase de impacto. No te afecta.

Hasta pronto. YIN BAO le dio la espalda sin saludarlo.-

WANG esperó el amanecer para desesperadamente ir a lo de su escribano. Sin dudarlo donó el resto de su fortuna a YIN BAO y quedó sumergido en la pobreza.-

Al llegar la primavera WANG comía las sobras de un restaurante mientras caminaba pisando el pasto del parque de la ciudad.

Quedó impactado al ver un coche tirado por seis caballos blancos que transportaba a YIN BAO acompañado de un séquito de mujeres que acariciaban su piel bajo el sol del mediodía.-

Con la voz quebrada WANG gritó: Y ahora.. me vas a decir gracias?!

YIN BAO, contestó con su característica frialdad. ¿Cómo habría yo de hablar con un miserable hombre pobre como tú?.

Acto seguido, con un látigo marrón hizo trepidar a la tropilla para que aceleren el paso.-

WANG mientras veía desaparecer tras la polvareda a YIN BAO, rompió en llanto.-

Había entendido que algunos hombres, muy pocos, uno solo en todo un pueblo, no tenía precio.-


ROSARIO LUFRANO

viernes, 4 de septiembre de 2009

Pepe: Gracias por tanta risa!


Hace 100 años nacía este inmenso payaso que acompañó la infancia de muchos de nosotros, esa inocente y tierna etapa de nuestra vida que -ya lejana- estaba llena de imaginación, sueños, cuadernos borroneados, manos sucias de inventar juguetes con cualquier cosa y el infaltable pan con manteca (con esa lluvia de azúcar que mamá nos ponía como premio inigualable). Y Pepe nos llevaba de la mano con sus gestos y nos arrancaba una risa franca, ruidosa, con esa impresionante capacidad de reunir a toda la familia frente a la tele y divertirnos con un humor tan inocente que hasta se hace increíble. Nuestros hijos se lo perdieron... se lo perdieron? No. Creo que cada uno de nosotros supo (y sabe) recrear en algún momento de la paternidad, esos personajes maravillosos que él nos marcó a fuego en el alma.
Hoy, ante tanta barbarie desatada en la pantalla, se alza el recuerdo inalterable de este cómico con mayúsculas y nos arranca otra vez una sonrisa, Hoy y siempre, Pepe, gracias por tanta risa!

"Los Artistas no mueren porque viven en el alma de su pueblo"

viernes, 28 de agosto de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Hoy: Whitney Houston.
Whitney Elizabeth Houston es modelo, cantante de R&B, pop y gospel además de actriz. Nació el 9 de agosto de 1963 en la ciudad de Newark, Nueva Jersey y sin dudas es una de las más populares y famosas cantantes de las décadas de 1980 y 1990. Whitney recibió seis premios Grammy, varios American Music Awards, Billboard Music Awards, dos Emmys, un MTV Video Music Award y un MTV Movie Award. Lleva vendidos más de 120 millones de discos y 50 millones de simples en todo el mundo en estos casi 25 años de carrera. Whitney influenció a una enorme cantidad de cantantes en su país, como: Christina Aguilera, Alicia Keys, Britney Spears, Jessica Simpson, Mandy Moore y otras tantas del resto del mundo. Es reconocida por su gran habilidad vocal, que heredó de su madre Cissy Houston, su tía Dionne Warwick y su madrina Aretha Franklin… nada menos!Su primer disco salió en 1985. Tenía apenas 22 años. El álbum vendió cerca de 24 millones de copias en todo el mundo, 13 millones de ellas en Estados Unidos.En enero 1991, cantó el himno nacional de Estados Unidos, en la vigésima quinta edición del Super Bowl, la final del fútbol americano, celebrada en Tampa, Florida. Esta interpretación fue posteriormente grabada debido a la demanda popular, siendo hasta hoy la única versión del himno americano que consigue ser un éxito de ventas y obteniendo el disco de platino. En 1992 hizo su primera incursión en el cine junto a Kevin Costner en la película “El Guardaespaldas”. Whitney grabó 6 nuevas canciones para la banda sonora, incluyendo una versión del tema de Dolly Parton “I Will Always Love You” con la que rompió todas las expectativas. Lanzado como single en noviembre, fue su décimo número uno en Estados Unidos llegando a ser el disco más vendido de 1992 en el Reino Unido y Estados Unidos, manteniéndose 10 semanas y 14 semanas respectivamente en ese puesto. Con el tiempo llegó a ser en uno de los simples más vendidos de la historia. Por su parte, el álbum vendió 35 millones de copias en todo el mundo en su primer año y más de 42 millones hasta ahora, convirtiéndola en la banda sonora más vendida en la historia de la música. El 18 de julio de 1992, Whitney se casó con el cantante Bobby Brown y en marzo de 1993, Whitney dio a luz a una niña, llamada Bobbi Kristina. Whitney lanzó el álbum "Just Whitney" en diciembre de 2002, debutando en el número 9 de la lista de ventas de Billboard, mientras se encontraba en medio de una etapa turbulenta de su vida, relacionada con supuestos maltratos por parte de su marido y las drogas. La artista reconoció que consumía cocaína, marihuana y probaba todo tipo de drogas. Después de cinco días internada en un centro de rehabilitación de drogas en marzo de 2004, regresó en marzo de 2005 y permanció dos meses. En Septiembre de 2006 la carrera y la vida de Whitney de cara la opinión pública da un giro radical. Después de especulaciones y notícias falsas Whitney reaparece junto a Clive Davis radiante y visiblemente muy recuperada. Los rumores cesan y la prensa vuelve a mostrarse amable con la artista. Sus representantes confirman la separación del matrimonio Houston-Brown.En febrero de 2009, para cerrar la fiesta previa a la entrega de los premios Grammy, Whitney Houston, hizo gala de su plena recuperación, ofreciendo un mini-concierto al final de la velada donde demostró que su fuerza, belleza y voz, siguen en su lugar y recibiendo una tremenda ovación de parte de todos los presentes por su voz y por su presencia en el escenario donde no dejó de derrochar energía, haciendo un repaso de los mejores éxitos que tanto la han caracterizado a lo largo de su carrera. De acuerdo con su sello discografico, la fecha oficial para su gran regreso y la salida de su séptimo album de estudio es el 1 de Septiembre del 2009.
Una mirada a esta música para el fin de semana…


Pablo Ramírez

jueves, 27 de agosto de 2009

MAS LIBERTAD, MAS CRECIMIENTO

Cuando hablamos de penalizar o criminalizar tal o cual cosa, no tenemos que pensar en qué clase de orden moral deseamos vivir porque el derecho no es el mundo de la moral sino el mundo DEL MINIMO MORAL.-

El derecho no puede regular cómo se castiga a una persona desagradecida, o a un amarrete, o a un desagradable.-

Cuando caemos en las dictaduras se pretende regular hasta el derecho a cantar -¿se acuerdan la discusión absurda acerca de si estaba bien o era un delito que Charly cantara el himno?- o el derecho a pensar o a usar el pelo largo.-

Las dictaduras tienen un concepto del derecho que abarca a todo lo que se cree moral. Por eso algunas legislaciones castigaban, como la nuestra hasta 1982, la prostitución o la ebriedad,.

Las dictaduras se meten en toda la intimidad del individuo.-

Las repúblicas, en cambio, legislan la conducta del hombre únicamente en su relación con la sociedad. Si un hombre daña a la sociedad, debe ser castigado.-

Por eso el art. 19 de la Constitución impide que se penetre en la esfera individual.

Si derogásemos esa garantía, podríamos permitir que se castigue cualquier cosa que al poder de turno le desagradara.-

Claro, se puede decir que un drogadicto, si maneja un auto, puede matar a otro. Es cierto. En ese caso, habrá que esperar que eso ocurra para castigarlo, pero no penalizarlo anticipadamente suponiendo que es un delincuente en potencia.-

Una persona borracha tambie´n puede con su auto matar a alguien y un iondividuo sobrio también. De hecho la mayor cantidad de accidentes lo producen las personas sonrias.-

No se puede castigar una forma de vida. Solamente se pueden castigar los actos que concretamente causan daño.-

En Argentina comprar una ametralladora no es más complejo que comprar un pulóver. Cualquiera puede hacerlo. La mayoría de las personas que tienen armas no matan a nadie. En una casa hay tenedores, cuchillos, piedras, martillos, tenazas, elementos aptos para matar a cualquiera.

El peligro no está en el martillo sino en el uso que se haga de ello. Hasta que el dueño del martillo no haga nada malo, nadie podrá impedirle tener una colección de martillos.-

La lista de ejemplos sería infinita.

El derecho debe aplicarse a las conductas reales no a las posibles. De lo contrario, se podría prohibir hasta el uso de las corbatas porque son aptas para provocar la muerte por asfixia.-

Este fallo de la Corte no es progresista ni mucho menos. Se limita a decir cuál es el lugar del derecho. El derecho no puede estar en la vida privada.-

El derecho es el mínimo de moral indispensable para la vida en sociedad. Toda invasión que vaya más allá es puro autoritarismo.-

Se podría decir que las mujeres con minifalda provocan y alteran el orden, que un automovilista puede chocar simplemente por distracción ante la belleza de una mujer que exhiba un poco sus piernas.-

Las sociedades se nutren de los valores éticos y religiosos de su tiempo. Esas pautas dan su nivel de moralidad. Lo que el derecho no puede hacer es imponer un orden moral.-

Cuando a Camila y al sacerdote los fusilan por orden de Rosas, por su relación sacrílega, se cometió un delito. Se provocó la invasión del derecho en el mundo privado.-

Las Naciones crecen con libertad y cuando más libertad. Más se crece.-

Las prohibiciones de las conductas privadas no hacen otra cosa que destruir la individualidad y llenar a la sociedad de prejuicios.-

Albert Camus decía: La libertad no es nada más que una oportunidad para ser mejor.

No perdamos esa oportunidad. Defendamos la libertad


ROSARIO LUFRANO

miércoles, 26 de agosto de 2009

En el día de la despenalización se fumaron "un finito"

Ayer, Jorge “El Fino” Palacios renunció a su puesto como jefe de la Policía Metropolitana que comenzara a funcionar en los primeros días de octubre. En este espacio explicamos reiteradamente las denuncias que había en su contra, sobre todo, su participación en la causa Amia. Y más allá de aducir cuestiones personales relacionadas a la salud de su madre, la renuncia está vinculada al inminente procesamiento de Palacios en este causa. Hace unos días, el fiscal del caso Amia, Alberto Nisman explicaba que en los próximos días el juez Ariel Lijo procesara a Palacios. Por eso, ayer el gobierno de la Ciudad realizó una reunión de emergencia para decidir la expulsión de Palacios. Pero también desde este espacio, sostuvimos que el problema no es la judicialización de la política sino la política represiva y privatista de seguridad que esta instrumentando el gobierno de Macri. Y eso no ha cambiado. Recordemos que Palacios renunció, no fue echado y que Macri volvió a defenderlo públicamente y ha decir que su renuncia era un gesto que lo enaltecía. Macri dice que este tema está politizado y tiene razón porque es un tema político. Tal vez sería bueno que Macri recuerde que él es el jefe de gobierno y no el gerente de un municipio. El suyo es un cargo político. Y en ese marco político además designó como nuevo jefe de la Policía Metropolitana al segundo de Palacios, el ex comisario general de la Policía Federal Osvaldo Horacio Chamorro. Y Chamorro es un hombre que hace 20 años trabaja junto a Palacios. De hecho, hasta ahora era el Director Administrativo de la fuerza, o sea, el virtual subjefe de la policía. Hace unas semanas, nosotros comentabamos las denuncias por contratación directa de equipamiento para la Policía Metropolitana. Por ejemplo, el gobierno porteño compró más de 850 pistolas Beretta PX4 Storm y 120 armas largas de origen italiano marca Benelli fueron comprados a Trompia S.R.L. por un costo de 4 millones de pesos y fue resuelta por contratación directa el miércoles 22 de julio a través de la Resolución 778 del Ministerio de Justicia y Seguridad porteño. El encargado de esta compra fue Osvaldo Chamorro.
Chamorro comenzó su actuación en la Policía Federal en 1977 en la hoy denominada Superintendencia de Planificación y Desarrollo. Abogado, Chamorro estaba a cargo, como comisario general, de la Dirección Administrativa de la Policía Federal cuando fue echado en 2004 por el entonces ministro del Interior Gustavo Beliz, en una profunda reorganización que incluyo a 107 oficiales, la mayoría con denuncias por irregularidades.
Además Chamorro estaba relacionado a Palacios en la empresa de seguridad privada Strategic Security Consultancy de la que Palacios formaba parte del directorio hasta que fue denunciado por legisladores de la oposición dejando en su lugar a su suegro.
Esta es la contidad de un política de seguridad más preocupada en reprimir piquetes o homeless de las plazas que en garantizar la vida armónica de los ciudadanos de la Ciudad de Buenos Aires.
Pero además, Mauricio Macri sigue soportando fuertes criticas por el ajuste salvaje que realiza su gestión. La Asociación Argentina de Actores denunció que Macri prohibió la realización de nuevos contratos en los teatros porteños hasta diciembre y que corren riesgo las funciones en los teatros proteños donde les deben los sueldos desde junio pasado. Además, mañana, en la Legisltaura Macri (que recordemos gastó 300 millones en trabajos de consultoria) va a pedir un endeudamiento para la ciudad de casi dos mil millones de pesos.
Y sí Macri la oposición hace política. Sería hora que usted también se ocupe de la política de todos los porteños.

Fernando Amato

martes, 25 de agosto de 2009

Premios Eter 2009

Se viene la 5ª edición de los Premios Eter a la radio. Si querés darnos tu apoyo se puede votar, hasta el 24 de setiembre, al 0810-555-0044 o por intermet en www.lospremiosdelaradio.com.ar.

viernes, 21 de agosto de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es: León Gieco, uno de los máximos exponentes de la música argentina y latinoamericana reconocido en todo el mundo.
Raúl Alberto Antonio Gieco nació el 20 de noviembre de 1951 en una chacra del norte de Santa Fe. Su familia se muda a Cañada Rosquín y allí comienza a trabajar a los 8 años y con su propio y bien ganado sueldo se compra su primera guitarra.
Comenzó entonces a presentarse en los actos del colegio y en un grupo de folklore: Los Nocheros. Paralelamente, se une a Los Moscos, una banda de rock, con la que poco a poco logran cierta popularidad en los pueblos cercanos. Hacían covers de Los Beatles y los Stones. En 1965, el grupo gana un concurso para presentarse en el Canal 5 de Rosario. Llegar a presentarse en esa ciudad era más de lo que habían esperado.En el verano de 1969 viaja por primera vez a Buenos Aires, con su guitarra al hombro y casi sin dinero. Poco a poco comienza a relacionarse con el mundo de la música: Litto Nebbia y Gustavo Santaolalla. Es justamente el guitarrista de Arco Iris quien le consigue algunas presentaciones como telonero de Moris y Pajarito Zaguri.
En noviembre del '71 llega la primera presentación grande: el Festival B.A.Rock II y luego el "Acusticazo". De allí es la primera grabación de "Hombres de Hierro", uno de los temas más famosos de León. En diciembre llega la tercera versión del B.A.Rock y para marzo del '73 sale a la venta su primer disco, que había sido grabado con Santaolalla como producción independiente. El tema para las radios era: "En el país de la libertad". Poco a poco va logrando cierto éxito y se lo comienza a conocer como "el Bob Dylan argentino"."La Banda de los Caballos Cansados", de 1974 es el título de su segundo álbum, que sigue la línea progresiva-folklórica del primero. Aunque, por la nueva separación de su banda, León sale a tocar como solista con su guitarra y su armónica ya que debía cumplir un contrato firmado para dos shows.Por culpa de la censura, se le hace difícil editar su tercer LP: "El fantasma de Canterville" (1976), al punto de tener que modificar la la letra de seis temas y directamente eliminar otros tres ("La historia esta", "Tema de los mosquitos" y "Las dulces promesas"). Pese a todo, el material es muy bien recibido. León continúa con las giras por el interior, hasta que se aventura a Latinoamérica, a comienzos de 1978. Otra vez escapando de la censura, se radica por un año en Los Angeles.
De su cuarto LP de 1978 sobresalen: "Cachito, campeón de Corrientes" y "Sólo le pido a Dios", el otro himno de Gieco, junto a "Hombres de hierro". En realidad, León no estaba muy convencido de incluir este tema, que lo encontraba "aburrido y monótono", pero finalmente siguió el consejo de Charly García y a partir de ese entonces León lo canta en el final de cada concierto.En abril de 1981 se presenta en Obras para el lanzamiento oficial del disco recopilación "Siete años" de 1980, shows en los que también adelantó canciones de su siguiente álbum: "Pensar en nada" de 1981, el mismo año en que comienza su inmensa gira nacional que le demandará en total tres años. Fueron 450 presentaciones en todas las provincias argentinas y 110.000 kilómetros recorridos, para cantar frente a alrededor de 420.000 personas. Al terminar la travesía, decidió llevar al disco todos los ritmos característicos con los cuales se topó. Esta fue, sin dudas, su obra más importante, aunque no contó con la difusión acorde. Bautizada "De Ushuaia a La Quiaca", es ni más ni menos que el mapa musical argentino."Semillas del corazón" de 1989 marca su retorno a los estudios de grabación, tras ocho años de giras. El disco fue realizado como una producción independiente y en el que grabó con Sandro el tema "Mi amigo".En agosto del '89 se presentó junto al legendario exponente del folk norteamericano Pete Seeger, en el teatro Opera, y ese material se editó bajo el nombre de "Concierto en vivo" al año siguiente. Seeger lo invitó para presentarse juntos en Washington, Boston y New York. A las funciones de la capital norteamericana se sumó David Byrne (líder de los Talking Heads), quien había conocido a Gieco en su visita a Buenos Aires, unos meses atrás.Hacia fines de 1994 edita "Desenchufado", una ironía a la tendencia mundial impuesta por la MTV norteamericana de los Unplugged. En este caso se trató de una formidable re-make de los clásicos de León, entre ellos "El fantasma de Canterville", compuesto por Charly García para el cantautor. La presentación de este disco se realizó a fines de 1995, con Nito Mestre, Rodolfo García, Oscar Moro y los ex Oveja Negra como invitados."Orozco" de 1997 sorprendió con el hit bailable homónimo, cuya letra no contiene otra vocal que la "o". Sin embargo, además de ese tema, se incluyen otras canciones de extrema calidad, como: "Alas de tango" y "El embudo", un homenaje a la Patagonia para la cual prestaron sus voces Mercedes Sosa, Ricardo Mollo (de Divididos), Santaolalla, Ricardo Iorio (ex-Almafuerte y Hermética), Chizzo (La Renga), entre otros.En junio del 2004, León fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, en un acto al que asistieron Madres de Plaza de Mayo, organismos de derechos humanos, autoridades de la ciudad, familiares del homenajeado y artistas de la talla de Ariel Ramírez, Abel Pintos (ahijado artístico de León), Horacio Fontova y Piero.En el año 2001 lanza una nueva producción; "Bandidos rurales", con letras fiel a su estilo que hablan de la situacion social y de los problemas que aquejan al mundo. Temas como "Idolo de los Quemados", "De igual a igual" y "La Memoria" sonaron en las emisoras y se incorporaron a su ya larga lista de grandes composiciones. Dos años despues lanza un disco en vivo con todos sus grandes éxitos, y en el 2005 reaparece con: "Por favor, perdón y gracias" que incluye como primer corte la cancion "El ángel de la bicicleta", un tema que cuenta la historia de Claudio Lepratti, alias Pocho, un muchacho de 35 años que vivía en Rosario, trabajaba en una escuelita de bajos recursos y colaboraba con un comedor infantil. En diciembre del 2001, en medio de la situación sociopolítica que vivía la Argentina, fue asesinado de un balazo en la garganta, mientras le pedía a la policía que no disparase contra el comedor donde él colaboraba, ya que adentro había chicos comiendo.Este disco tambien se alzó con polemica ya que incluye la participación en uno de los temas del "Pato" Fontanet, líder de la banda Callejeros, imputado por la causa de la tragedia de Cromañon. "Por favor, perdón y gracias" incluye además versiones de temas de "Los Piojos" y "Los Tipitos". En 2006, León decide que es momento de repasar su historia musical desde 1991 hasta ahora. Es por eso que lanza "15 años de mí", un CD-DVD que incluye sus grandes clásicos más 3 bonus track, video clips, extras y "momentos especiales". Entre las novedades figuran el tema "Para la Vida", de la banda original de sonido de la película "Iluminados por el fuego", dirigida por Tristán Bauer; "Todos los Caballos Blancos" (en vivo teatro Opera 2005) y "El surco" (inédito-grabado en 2005).En el año 2008 edita: "Por partida triple", un pack que muestra la esencia más pura de León, la del autor comprometido, la del músico que comparte y sobre todo la del ser humano cálido y sincero que desde sus ideales supo construir una carrera admirada por todos.
A través de 3 CDs, agrupados bajo los títulos "Rock", "Folclore" y "Rutas", desfilan colaboraciones, versiones y participaciones, en vivo y en estudio, con un amplísimo arco de músicos de diversos estilos, generaciones y países.
León es un artista notable y entrañable que se caracteriza por mezclar el género folclórico con el rock argentino y por las connotaciones sociales y políticas de sus canciones, a favor de los derechos humanos y la solidaridad con los marginados.

Una mirada a esta música para el fin de semana…

(gracias a los amigos de internet por los datos biográficos de LG)
Pablo Ramírez

viernes, 14 de agosto de 2009

Las denuncias de Adalberto

Seguramente habrás visto, Rosario, la difusión de la causa por enriquecimiento ilicito que pesa sobre Néstor Kirchner y Cristina Fernández. La denuncia habla de un incremento patrimonial del 158% en el último año y de siete veces desde que llegaron al poder en 2003. También de diferencias entre las declaraciones juradas del matrimonio presidencial. En estos momentos, la causa está en mano del juez Norberto Oyarbide.
Lo que seguramente no habrás visto o leído es cómo se origina la causa y de eso vamos a hablar. La denuncia fue radicada hace unos meses por el abogado Enrique Adalberto Piragini, inscripto en el T22 F23 del CPACF, quien con un recorte periodístico bajo el brazo se presentó en los tribunales porteños para radicar la denuncia. O sea, esta causa se origina en una nota periodítica (con la veracidad propia de una nota periodística) y hasta ahora sólo tuvo el visto bueno del fiscal para que se inicie la investigación. Ayer Oyarbide habló ante los medios para explicar que había realizado un pedido a la Oficina Anticorrupción y a la Afip para que le envíen la declaración jurada de los Kirchner para empezar a estudiar el tema.
Vos sabés, Rosario, que en los medios tribunalicios existe lo que se llama los denunciantes compulsivos. Piragini, es uno de ellos. En el año 2004 ya se jactaba de haber presentado más de 100 denuncias, una cada cuatro días. El diario Clarín, que tanta difusión le ha dado a la causa por enriquecimiento ilícito, decía sobre una denuncia de Piragini del 9 de julio de 2004 que “podría pasar el filtro de la seriedad sólo en un torneo de planteos insólitos”. En esa oportunidad, Piragini se presentó ante la Cámara Federal y solicitó formalmente que se aclare si en el país todavía se encuentran vigentes la Constitución, el Código Penal y otras leyes, que —dice— no se cumplen. “El letrado, Enrique Perigiani, suele caminar los pasillos de los Tribunales con presentaciones de este tenor. Hasta ahora, con muy escasa fortuna”, decía Clarín.
Piragini saltó al mundo mediático a raíz de un hecho desafortunado. Su hijo fue golpeado por patovicas en abril de 2003 en la puerta de la disco The Place, del complejo Arcos del Sol. Entonces creó la fundación A.R.I.E.L.somos todos.ong (Argentina Recupera Idoneidad en Libertad), con la que se dedica a hacer estas denuncias.
Vamos a comentar algunas de las denuncias más disparatadas de Perigiani:
- Denunció al gobierno español por considerar delito de lesa humanidad la colonización de América
- Denunció a Gran Hermano por presunta “apología del delito” debido al “indiscriminado suministro de drogas farmacológicas” y por “incentivar su consumo”. “Los integrantes del programa hablan de pastillas como de chocolatines y transmitir ese mensaje a la sociedad, es perverso”, aseguraba Piragini.
- En 2006, junto a LOS SIN GORRA de la Policía Bonaerense, han promovido una denuncia ante la JUSTICIA FEDERAL CRIMINAL Y CORRECCIONAL, para que se investigue la posible comisión del delito de sabotaje cometido por el Ministro de Seguridad de la Provincia de Buenos Aires, Dr. León ARSLANIAN, "ya que virtualmente ha destruído a la Institución Policial Bonaerense.
- El abogado Enrique Piragini denunció a Néstor Kirchner por presuntos delitos de "intimidación pública e instigación a la violencia", por las expresiones que el ex presidente tuvo durante los discursos durante el conflicto con el campo.
- Hizo una denuncia por presunto “abandono de persona” en perjuicio de Diego Maradona. Piragini pidió que se investigue si alguien de su entorno incurrió en ese delito en perjuicio del ex futbolista. El juez de instrucción Marcelo Alvero desestimó la denuncia por “ausencia de delito”.
- Fue patrocinador del dirigente menemista Ramón Armando Herrador, en una denuncia contra el senador Pichetto al sostener éste que si el vicepresidente Cobos votara en contra del proyecto oficial sobre retenciones móviles al sector agrícola debería dejar su cargo".
- La Justicia recibió hoy un pedido para que se allanen todos los hospitales en los que se registraron muertes por la gripe A. El objetivo es determinar si se adulteraron certificados de defunción modificando las causas de los decesos.
- Solicitó formalmente que se aclare si en el país todavía se encuentran vigentes la Constitución, el Código Penal y otras leyes, que —dice— no se cumplen.
- Hebe de Bonafini fue denunciada por delitos de "apología del crimen" y "atentado contra el orden público", a raíz de sus últimas declaraciones y acciones en torno al conflicto entre el gobierno y el campo, cuando llamó a la represión y pidió "palos y gases" para los ruralitas.
- En 2004, cuando se disputaban los cuartos de final dela Copa Libertadores presentó un recurso de amparo para que los hinchas de River puedan ir a la bombonera

Pero Piragini, además, se dedica a la política, es el representante del menemismo en la Ciudad de Buenos Aires y a traves de ahí fue candidato de los Rodríguez a traves de su partido llamado del Campo Popular. El 28 de junio hubo sólo dos tres impuganaciones de candidatos en la Capital Federal. Dos fueron para candidatos del partido de Piragini porque tenían condenan por estafas. Además, la revista Rolling Stone denunció que siete partidos tenían exactamente la misma plataforma electoral, entre otros, el partido de Perigiani. Además, Este abogado defendía al ex concejal Roselló en la causa por ñoquis en el Concejo Deliberante y, cuando Menem estuvo preso por la causa de contrabando de armas, presentó una pedido de libertad por “persecusión política” contra Menem. También hay varias denuncias en su contra, una de ellas por haber participado junto a militantes del partido de Luis Patti en Escobar para desalojar inmigrantes paraguayos con métodos violentos. En diciembre de 2008 fue echado de una Comisión del Colegio de Abogados por usurpación de título.
También fue el abogado del ciudadano chino Qin Zhong Li, procesado por la seguidilla de incendios contra comercios que alarmó a Capital Federal a fines de 2005.
Para terminar, te doy un ejemplo de una sentencia de la Corte Suprema de la Ciudad de Buenos Aires sobre una denuncia de Piragini que pedía que Jorge Telerman y Daniel Filmus no pudieran ser candidatos porque estaban engañando a la sociedad:

“La presentación en examen, además de su falta de prolijidad y a la vía utilizada como per saltum, e invoca una representación que no se acredita, etc.— también carece de un contenido serio, razón por la que propiciaré su rechazo in limine”.

Entonces más allá del avance en la Justicia por la causa de enriquecimiento ilícito y de la gravedad de la sospecha social, creo que cuando se calla una pata de la información, cuando no contamos con la posibilidad de investigar por nuestros propios medios las denuncias mediáticas, la sociedad está absolutamente indefensa.

Fernando Amato

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Robbie Williams.

Algunos datos de RW: miembro del grupo juvenil Take That, a mediados de los ‘90 comenzó su carrera solista convirtiéndose en el artista británico que más discos vendió en la historia (55 millones de copias) y que mayor cantidad de Brit Awards consiguió (15 hasta ahora).

Entró en los Guinness cuando anunció su gira mundial de 2006 y vendió más de un millón y medio de tickets en un solo día. Fue elegido como el mejor artista de la década del ‘90. Y el más vendedor en América Latina. 6 de sus 7 discos son parte de los 100 álbumes más vendidos de Inglaterra y para comienzos de Noviembre está previsto el lanzamiento de su octavo álbum (Reality Killed the Video Star) y después se verá si se realiza la tan esperada reunión del grupo Take That (sobre todo esperada por sus ex-compañeros debido al éxito de Robbie).

Recordemos que se llevaban a las patadas. De todas maneras, como solista, Robbie ganó 120 M de dólares y hace poco compró su mansión en 10 M de dólares aunque su intención sigue siendo la de radicarse en los EE.UU. Pasa mucho tiempo en Los Angeles porque ama la privacidad y la libertad que dice tener en ese país.

Son conocidos sus problemas con el alcohol, las drogas, la obesidad, autoestima, depresión y el sexo. Aunque ganó varios juicios a publicaciones que lo habían tratado de homosexual, su sexualidad sigue siendo un misterio… alimentado por él, por supuesto.

Pero también es un ferviente interesado en los fenómenos paranormales. 2008 fue un año sabático en el que se dedicó al avistaje de OVNI. Declaró haber visto platos voladores tres veces. La primera cuando era chico en Inglaterra, otra ya adulto en Beverly Hills y la tercera, después de haber escrito una canción sobre un contacto del tercer tipo.

Le gusta el fútbol y es el mayor accionista del Port Vale, un club de la segunda categoría de la liga inglesa, de Stoke on Trent, donde nació.

Una mirada a esta música para el fin de semana…


Pablo Ramírez

viernes, 7 de agosto de 2009

Música!


Cada viernes recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana, homenajeando a aquellos que a lo largo de los años lograron crear un sello distintivo que los distingue e identifica. Uno de esos creadores es Jorge Drexler.

Jorge es un cantautor uruguayo, nacido el 21 de septiembre de 1964 en Montevideo.
Además de músico, compositor y cantante, es Doctor en Medicina, al igual que sus padres.
Pero él también fue salvavidas, cantante de sinagoga y enfermero a domicilio.
Es padre de dos hijos, uno de cada uno de sus dos matrimonios: Pablo y Luca que nació a comienzos de 2009.
En 1991obtuvo uno de los premios del Primer Concurso de la Canción Nacional Inédita, realizado por la radio Alfa FM de Montevideo.
Fue telonero de Joaquín Sabina en el Teatro de Verano de Montevideo, lo que determinó que allá por 1995 se fuera a España para acompañar a Sabina en tres conciertos. Pero en vez de quedarse un mes se quedó a vivir. Actualmente vive en las afueras de Madrid pero graba sus discos en Montevideo.
La organización del evento de la entrega de los Premios Oscar decidió que el uruguayo no debía interpretar su canción -hasta ese momento nominada en la categoría de mejor canción inédita para una película por su tema Al Otro Lado Del Río en el filme Diarios de Motocicleta- debido a que Drexler no era una figura lo suficientemente conocida para el público estadounidense como para hacerlo. A pesar de no estar de acuerdo con esta decisión, Jorge aceptó las medidas tomadas y aclaró que este penoso incidente fue por parte de los organizadores del evento y no de la Academia. Durante la entrega, la canción fue interpretada por el actor antonio Banderas acompañado por el guitarrista Santana. Días antes, Drexler había mostrado su disconformidad por este hecho así que, cuando se acercó a recibir el premio en vez de dar el respectivo discurso de agradecimiento interpretó un fragmento de su canción a capella, obteniendo de alguna manera su revancha.
Además de Medicina, Jorge estudió música y llegó a grabar dos discos editados en cassettes que se lanzaron sólo en Uruguay. En 1995, gracias a aquella invitación de Sabina, conoció a otros importantes artistas españoles. En España grabó el álbum Vaivén en 1996 que contenía algunos temas ya incluídos en sus anteriores producciones uruguayas. Se mudó definitivamente a España donde lleva grabados cinco discos: Llueve (1998), Frontera (1999), Sea (2001), Eco (2004) y 12 segundos de oscuridad (2006). Aunque vive la mayor parte del año en España, sus tres últimos trabajos los hizo en Uruguay con músicos de ese país.
Su estilo combina los sonidos tradicionales del Uruguay: candombe, murga, milonga con la bossa nova, pop, jazz y la música electrónica. El resultado es original y singular, en el que las letras tienen un rol fundamental, hablando de amor, identidad, raza, religión a través de historias cotidianas y comunes.


Una mirada a esta música para el fin de semana…


Pablo Ramírez

jueves, 6 de agosto de 2009

Los poemas de Fernando Amato remixados

Mis palabras llovieron sobre ti acariciándote.
Amé desde hace tiempo tu cuerpo de nácar soleado.
Hasta te creo dueña del universo.
Te traeré de las montañas flores alegres, copihues,
avellanas oscuras, y cestas silvestres de besos.

Quiero hacer contigo
lo que la primavera hace con los cerezos.
(Pablo Neruda)


La lámpara de mi alma te sonrosa los pies,
el agrio vino mío es más dulce en tus labios:
oh segadora de mi canción de atardecer,
cómo te sienten mía mis sueños solitarios!
(Pablo Neruda)



Niña morena y ágil, el sol que hace las frutas, el que cuaja los trigos, el que tuerce las algas, hizo tu cuerpo alegre, tus luminosos ojos y tu boca que tiene la sonrisa del agua.
(Pablo Neruda)


Se me ocurre que vas a llegar distinta no exactamente más lindani más fuerteni más docilni más cautatan solo que vas a llegar distintacomo si este día de no vermete hubiera sorprendido a vos tambiénquizá porque sabescómo te pienso y te enumero
(Mario Benedetti)


Quién hubiera creído que se hallaba sola en el aire, oculta, tu mirada. Quién hubiera creído esa terrible ocasión de nacer puesta al alcance de mi suerte y mis ojos, y que tú y yo iríamos, despojados de todo bien, de todo mal, de todo, a aherrojarnos en el mismo silencio.

(Mario Benedetti)


Desde que te conozco, hay un eco en cada rama que repite tu nombre; en las ramas altas, lejanas; en las ramas que están junto a nosotros, se oye.
Se oye como si despertáramos de un sueño en el alba.
(Juan Rulfo-Cartas a Clara)


He aprendido a decir tu nombre mientras duermo. Lo he aprendido a decir entre la noche iluminada
(Juan Rulfo-Cartas a Clara)


Ni la intimidad de tu frente clara como una fiesta
ni la privanza de tu cuerpo, aún misterioso y tácito,
ni la sucesión de tu vida situándose en palabras o acallamiento
serán favor tan persuasivo de ideas
como el mirar tu sueño implicado
en la vigilia de mis ávidos brazos.
Virgen milagrosamente otra vez por la virtud absolutoria del sueño,
quieta y resplandeciente como una dicha en la selección del recuerdo,
me darás esa orilla de tu vida que tú misma no tienes

(Jorge Luis Borges)


Podrá nublarse el sol eternamente;
Podrá secarse en un instante el mar;
Podrá romperse el eje de la tierra
Como un débil cristal.
¡todo sucederá! Podrá la muerte
Cubrirme con su fúnebre crespón;
Pero jamás en mí podrá apagarse
La llama de tu amor.

(Gustavo Adolfo Becquer)


Mientras haya unos ojos que reflejen
los ojos que los miran,
mientras responda el labio suspirando
al labio que suspira,
mientras sentirse puedan en un beso
dos almas confundidas,
mientras exista una mujer hermosa,
¡habrá poesía!

(Gustavo Adolfo Becquer)


Hagamos un trato
Compañera
usted sabe
que puede contar
conmigo
no hasta dos
o hasta diez
sino contar
conmigo.

Pero hagamos un trato
yo quisiera contar
con usted
es tan lindo
saber que usted existe
uno se siente vivo
y cuando digo esto
quiero decir contar
aunque sea hasta dos
aunque sea hasta cinco
no ya para que acuda
presurosa en mi auxilio
sino para saber
a ciencia cierta
que usted sabe que puede
contar conmigo.
(Mario Benedetti)


Para mi corazón basta tu pecho,
para tu libertad bastan mis alas.
Desde mi boca llegará hasta el cielo
lo que estaba dormido sobre tu alma.

Acogedora como un viejo camino.
Te pueblan ecos y voces nostálgicas.
Yo desperté y a veces emigran y huyen
pájaros que dormían en tu alma.

(Pablo Neruda)


Yo no quiero más luz que tu cuerpo ante el mío:
claridad absoluta, transparencia redonda.
Limpidez cuya entraña, como el fondo del río,
con el tiempo se afirma, con la sangre se ahonda.
¿Qué lucientes materias duraderas te han hecho,
corazón de alborada, carnación matutina ?
Yo no quiero más día que el que exhala tu pecho.
Tu sangre es la mañana que jamás se termina.

(Miguel Hernández)


Recreación del poema de Humberto Constantini “¿Y si sí?”

¿Y si entretanto Kirchner,
coyuntura,
y candidatos testimoniales,
y compañero;

si entre tanta Carrió y tanto De Narváez,
entre tantos comentarios y cigarrillos,
se nos está infiltrando la ternura
como un disimulado agente de la SIDE?

¿Y si apoyo tu opinión
quiere decir
sos linda?

¿Y si estoy de acuerdo en el planteo
quiere decir que bárbaros tus ojos?

¿Y si me adhiero
quiere decir sencillamente
que me adhiero?

Ojo compañerita,
vigilancia,
que el enemigo acecha.

Analicemos el asunto
a nivel de autocrítica.

Pero un poco más cerca.
Mirándonos a los ojos
interminablemente, si es posible.

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Dos cuerpos frente a frente
son a veces dos olas
y la noche es océano.

Dos cuerpos frente a frente
son a veces raíces
en la noche enlazadas.

Dos cuerpos frente a frente
son dos astros que caen
en un cielo vacío.

(Octavio Paz)


Tu cabellera es negra como el ala
del misterio; tan negra como un lóbrego
jamás, como un adiós, como un «¡quién sabe!»
Pero hay algo más negro aún: ¡tus ojos!

Tus ojos son dos magos pensativos,
dos esfinges que duermen en la sombra,
dos enigmas muy bellos... Pero hay algo,
pero hay algo más bello aún: tu boca.

Tu boca, ¡oh sí!; tu boca, hecha divinamente
para el amor, para la cálida
comunión del amor, tu boca joven;
pero hay algo mejor aún: ¡tu alma!

Tu alma recogida, silenciosa,
de piedades tan hondas como el piélago,
de ternuras tan hondas...
Pero hay algo,
pero hay algo más hondo aún: ¡tu ensueño!

(Amado Nervo)


Emboscado en mi escritura
cantas en mi poema.
Rehén de tu dulce voz
petrificada en mi memoria.
Pájaro asido a su fuga.
Aire tatuado por un ausente.
Reloj que late conmigo
para que nunca despierte.

(Alejandra Pizarnik)


Esta noche al oído me has dicho dos palabras
Comunes. Dos palabras cansadas
de ser dichas. Palabras
que de viejas son nuevas.

Tan dulces dos palabras
?Que digo sin quererlo? ¡oh, qué bella, la vida!?
Tan dulces y tan mansas
Que aceites olorosos sobre el cuerpo derraman.

Tan dulces y tan bellas
Que nerviosos, mis dedos,
Se mueven hacia el cielo imitando tijeras.
Oh, mis dedos quisieran
cortar estrellas.

(Alfonsina Storni)


Genio bueno: este día conmigo te congracias,
apenas un suspiro me torna eterna y breve...
¿Voy a volar acaso ya que el alma se mueve?
En mis pies cobran alas y danzan las tres Gracias.

Es que anoche tus manos, en mis manos de fuego,
dieron tantas dulzuras a mi sangre, que luego,
llenóseme la boca de mieles perfumadas.

Tan frescas que en la limpia madrugada de Estío
mucho temo volverme corriendo al caserío
prendidas en mis labios mariposas doradas.

(Alfonsina Storni)


Tengo celos del sol porque te besa
con sus labios de luz y de calor...
¡del jazmín tropical y del jilguero
que decoran y alegran tu balcón!
Mando yo que ni el aire te sonría:
ni los astros, ni el ave, ni la flor,
ni la fe, ni el amor, ni la esperanza,
ni ninguno, ni nada más que yo.
Eres tu, soberana de mis noches,
mi constante, perpetuo cavilar:
ambiciono tu amor como la gloria...
¡y todavía más!

(Almafuerte)


Tú tienes, para mí, todo lo bello
que cielo, tierra y corazón abarcan;
la atracción estelar ¡de esas estrellas
que atraen como tus lágrimas!

¡Tu tienes, para mí todo lo bello;
yo tengo para ti, todo lo que ama;
tú, para mí, la luz que resplandece,
yo, para ti, sus llamas!

(Almafuerte)


El día que me quieras tendrá más luz que junio;
la noche que me quieras será de plenilunio,
con notas de Beethoven vibrando en cada rayo
sus inefables cosas,
y habrá juntas más rosas
que en todo el mes de mayo.

(Amado Nervo)


Subes centelleante de labios y de ojeras!
Por tus venas subo, como un can herido
que busca el refugio de blandas aceras.

Amor, en el mundo tú eres un pecado!
Mi beso en la punta chispeante del cuerno
del diablo; mi beso que es credo sagrado!

¿Algún penitente silencio siniestro?
¿Tú acaso lo escuchas? Inocente flor!
... Y saber que donde no hay un Padrenuestro,
el Amor es un Cristo pecador!

(César Vallejo)


Ese amor que cada mañana canta
y silba, temeroso, matutino, inútil
(también silba)
bajo las húmedas tejas de los más solitarios corazones
-¡Ave María Purísima!-

que ese amor que cada día grita
y gime, temeroso, matutino, inútil
(también gime)
bajo las tibias tejas de los corazones,
es un amor digno de toda lástima.

(Camilo José Cela)


¿Será un crimen rasgar la tenue gasa
con que oculta el amor gracias terrenas,
o en la pomposa viña las ajenas
uvas gustar y el bien que raudo pasa?

Cuando el amor el alma nos abrasa,
que Venus arde en las henchidas venas,
desciende el cielo mismo a las amenas
ígneas regiones del placer sin tasa.

(Carlos Guido Spano)


Ya están cantando los gallos.
Ya ha cantado tu gallo comadre Natalia
ya ha cantado el tuyo compadre Justo.
Levántense de sus tapescos, de tus petates.
Será hora de encender el fogón comadre Juana.
La oscurana es más oscura pero porque viene el día.
Levántate Chico, levántate Pancho.

Después el zanate clarinero cantará en la palmera,
cantará: Compañero
Compañera.
Delante de la luz va la sombra volando como un vampiro.
Levántate vos, y vos, y vos.
(Ya están cantando los gallos.)
¡Buenos días les dé Dios!

(Ernesto Cardenal)


La dulzura de ciertas palabras como
'nosotros dos'.
Deambulo solitario entre los besos.
De mis soledades vengo
no vuelva a mis soledades.
Sentí que la eternidad
será estar juntos los dos.
Dios que me quiere como si yo fuera Dios.
Alguna vez yo seré experto en amores
en tu cama, entre las sábanas.
Sexo de Dios.

(Ernesto Cardenal)


Yo soy, XXXX, a tus divinos ojos,
Estrellas de brillantes resplandores,
Más bien que tu amador, soy un jardinero
De quien recibes con desdén las flores.

Tu eres el astro que en el cielo gira
Derramando su lumbre refulgente:
Yo, el satélite humilde, condenado
A seguir ese giro eternamente.

(Ernesto Cardenal)


Lujosamente bella y exquisita,
con aires de gitana tentadora,
llegaste, adelantándote a la hora,
rodeada de misterios a la cita.

¡Fue esa breve noche de locuras,
propicia al Floreal de tus ternuras,
que, cual glóbulos de ansias pasionales,

tu sangre delictuosa de bohemia
infiltró en el cansancio de tu anemia
el ardor de los fuertes ideales!

(Evaristo Carriego)


¿Y si Dios fuera mujer?
pregunta Juan sin inmutarse,
vaya, vaya si Dios fuera mujer
es posible que agnósticos y ateos
no dijéramos no con la cabeza
y dijéramos sí con las entrañas.

Si Dios fuera mujer no se instalaría
lejana en el reino de los cielos,
sino que nos aguardaría en el zaguán del infierno,
con sus brazos no cerrados,
su rosa no de plástico
y su amor no de ángeles.

Ay Dios mío, Dios mío
si hasta siempre y desde siempre
fueras una mujer
qué lindo escándalo sería,
qué venturosa, espléndida, imposible,
prodigiosa blasfemia.

(Mario Benedetti)


Así cada mañana por tu luz entreabierta
se despereza el alba, mueve un rumor el sol,
esperando que abras y que alces los párpados
y amanezca y, mirándote, suba el día tan alto.

Si negases los ojos el sol se apagaría.
El acecho del monte y del amanecer
en tinieblas heladas y tercas quedaría,
aunque el sol y sus ángeles y las otras estrellas
se pasaran la noche tocando inútilmente.
(Gabriel Zaid)